Georg Kolbe

Zunächst als Maler und Zeichner ausgebildet, wandte sich Georg Kolbe um 1900 im Rahmen eines längeren Aufenthalts in Rom der Bildhauerei zu, um in der Plastik seine Lebens­auf­gabe als Künstler zu erkennen. Was ihn dabei immer wieder antrieb, war der Versuch, eine Form zu finden im Gleich­klang von Körper und Geist, einen gültigen Ausdruck für die innere Bewegt­heit des Menschen. Entsprechend nutzte für seine Kunst den Begriff „Aus­drucks­plastik“. Nach einem Umzug im Jahr 1904 nach Berlin fand der Bild­hauer Ende des Jahrzehnts zu seiner eigenen Formen­sprache. 1911/12 wurde seine knapp lebensgroße Skulptur „Tänzerin“ durch den damaligen Direktor Ludwig Justi als erste moderne Plastik für die Sammlung der Berliner National­galerie angekauft. Die Darstellung des jungen, ganz in die tänzerische Bewegung versunkenen zierlichen Mädchens galt offenbar als Sinn­bild eines neuen Verständ­nisses moderner Plastik. Alles Manierierte, Süßliche und Starre der Kunst der Kaiserzeit ließ sie zugunsten eines körper­betonten Schönheits- und Kunst­begriffs eines jungen, doch selbst­bewussten Bürgertums hinter sich. Es zeigte sich ein neuer, freier Mensch, der sich regelrecht aus den Fesseln der alten Zeit her­aus­zu­tan­zen vermochte.

Die 1910er-Jahre in Kolbes Werk sind beseelt von zarten, empfind­samen und geschmeidigen Körpern, die der Vielgestaltigkeit ihrer Welt und deren Her­aus­forderungen gewisser­maßen auf Zehen­spitzen begegnen. Ein­drucks­volles Beispiel für diese wichtige Phase in Kolbes Frühwerk ist die kleine Skulptur des russischen Star-Tänzers Vaslav Nijinsky, dem Kolbe ein ganz­figuriges Porträt von äußerster Anmut und Grazie widmete. Der Tanz und insbesondere seine neuen Aus­drucks­formen, die von Künstler­innen wie Gret Palucca, Vera Skoronel, Charlotte Bara oder Ted Shawn entwickelt wurden, blieb bis in die späten Jahre eine wichtige Inspirationsquelle für den Bildhauer.

Begleitet ist Kolbes Werk stets von feinen und gleichsam kraft­vollen Zeichnungen, in denen der Künstler konsequent daran arbeitete, den menschlichen Körper in all seiner Bewegt­heit zu fassen. Das ursprünglich erlernte, gekonnt beherrschte Medium gab ihm eine Leichtig­keit, auf Basis derer er der bild­hauer­ischen Bear­beitung eines Themas groß­zügigen bildner­ischen und ideellen Raum geben konnte. Die Zeichnung sowie die aus ihr re­sultier­ende Druck­grafik machten überdies ein wichtiges Standbein Kolbes künstlerischer Karriere aus. In der Galerie Paul Cassirer waren sie beliebte Verkaufs­objekte, an ihrem merkantilen Erfolg hatte Kolbes früher Förderer und einfluss­reicher Berliner Galerist deutlichen Anteil. Aus heutiger Sicht gehören die Zeichnungen Kolbes zum Modernsten und wohl auch zum Schönsten, was der Künstler im Laufe seiner Karriere geschaffen hat.

In den 1920er-Jahren fand Georg Kolbe zu einem reifen Werk, das bis heute hohe Popularität genießt. Insbesondere die wiederholte Zusammen­arbeit mit international her­aus­ragen­den Architekten der Moderne macht deutlich, wie stark der Bildhauer neue Ideen von Raum und Proportion, Volumen und Leichtigkeit, Umriss und Perspektive in seinem Werk durch­dachte und auch auf diesem Feld nach neuen Lösungen suchte. Bekanntestes Beispiel ist die Auf­stellung seiner Skulptur „Morgen“ von 1925 in dem vom einfluss­reichen Architekten Ludwig Mies van der Rohe entworfenen Barcelona-Pavillon für die Welt­ausstellung von 1929.

Aus heutiger Sicht erscheinen die späten Skulpturen aus den letzten 15 Jahren seines Schaffens weniger vom Wunsch nach neuen bildnerischen Lösungen durch­drungen als von einer zunehmend starren Redundanz. Der raumg­reifenden Bewegt­heit der früheren Figuren weichen statische, fast immer stehende Körper­haltungen ohne erkennbare kom­posi­torische Neu­gier oder die Raffinesse der früheren Konzeptionen. Das durch eine Krankheit schwindende Augenlicht und eine wieder­kehrende Krebs­erkrankung, die 1947 zum Tod des Künstlers führen sollte, mögen zu dieser Ver­änderung beigetragen haben. Insbesondere jedoch aufgrund einer immer größeren, häufig auch über­lebens­großen Ausführung, einer immer un­differenz­ierter werdenden Physiognomie, sowie eines körperlich ausstrahlenden Pathos der Über­windung sind sie von heute aus gesehen allzu leicht als Vorboten und später als affirmierende Zeugen eines kraft­strotzen­den germanischen Körper­ideals der Nationalsozialisten zu deuten. Kolbe selbst war nie Mitglied der NSDAP. Dennoch kann aus heutiger Perspektive Kritik geübt werden, da er sich öffentlich nicht deutlich genug distanziert hat und Ausstellungseinladungen, Ehrungen oder Aus­zeichnungen der damaligen Macht­haber durchaus annahm, um seinen Status als erfolgreicher Bildhauer zu erhalten. Kolbes Spätwerk, vor allem seine durch einen heroischen Nietzschekult inspirierten Figuren der 1930er und 1940er Jahre, ließ sich leicht von der Propaganda des Nationalsozialismus vereinnahmen. Die Forschung und Ausstellungspraxis des Georg Kolbe Museums steht deshalb für eine nuancierte Wissensbildung, die versucht, das Werk und dessen Kontext aus ihrer Zeit heraus zu verstehen und zu vermitteln. Aus heutiger Sicht zeigt sich eine Künstler­biografie voller Brüche und Wider­sprüche, welche wir als Nach­geborene aushalten, benennen und einordnen müssen. Jenseits des kunst­historischen Urteils besteht die Not­wendig­keit einer zeit­historischen Analyse der künstler­ischen Produktion. Das Georg Kolbe Museum stellt sich diesen Komplexitäten aktiv durch seine intensive Forschung und Vermittlungsarbeit.